Thalia Kino Dresden - Cinema . Coffee and Cycling

Jung, neugierig und voller Tatendrang verlässt Siri Hustvedt ihre Heimat Minnesota und stürzt sich mitten hinein ins pulsierende New York. Auf der Suche nach der Hauptfigur ihres ersten Romans beginnt eine Reise, die sie nicht nur zur Schriftstellerin macht, sondern zu einer der wichtigsten Stimmen der amerikanischen Gegenwartsliteratur. Der Film öffnet einen Blick weit über Siri Hustvedt hinaus und feiert die kämpferische Kreativität von Künstlerinnen, denen die Autorin sich verbunden fühlt. Zugleich erzählt der Film die einzigartige Liebesgeschichte des legendären Autorenpaares aus Brooklyn: Siri Hustvedt und Paul Auster. Doch während die beiden über Sprache, Identität und die Kraft der Worte nachdenken, bricht das Leben herein: Paul Auster wird schwer krank. Auch nach seinem Tod endet die gemeinsame Geschichte nicht: Siri Hustvedt beginnt den Verlust ihres „Lebensmenschen“ im Buch „Ghost Stories: Ein Buch der Erinnerung“ literarisch zu verarbeiten.

Nie zuvor gesehenes Filmmaterial, exklusive Sprachnachrichten und Berichte aus Jeff Buckleys innerem Kreis zeichnen ein fesselndes Porträt des begabten Musikers, der 1997 auf tragische Weise ums Leben kam, nachdem er nur ein Album veröffentlicht hatte.

Die unglaubliche Geschichte des exzentrischen New Yorker Tischtennisprofis Marty Mauser.
Schuhverkäufer Marty hat nur ein Ziel im Leben: die Tischtennis-Weltmeisterschaft zu gewinnen und somit in den Olymp der gefeierten Athleten aufzusteigen, zu denen er sich selbst ohnehin schon zählt. Für die Teilnahme an den britischen Meisterschaften im fernen London setzt der junge Gauner alles auf eine Karte, muss sich im nervenaufreibenden Finale aber dem japanischen Sportstar Endo geschlagen geben. Doch das ist erst der Anfang einer Odyssee, die den ewig klammen Marty weit über seine Grenzen hinausführt. Denn für den kleinen Schuhladen seines Onkels ist sein Traum ein paar Nummern zu groß.
Timothée Chalamet begeistert als Marty Supreme, der für sein Stück vom Ruhm alles riskiert. Unter der Regie von Josh Safdie führt uns sein weltumspannendes Abenteuer aus den Hinterhöfen von Manhattan bildgewaltig bis ins Paris, London, Kairo und Tokio der 1950er Jahre. In weiteren Rollen brillieren u.a. Gwyneth Paltrow, die hier ihr großes Leinwand-Comeback gibt, Fran Drescher, Neuentdeckung Odessa A’zion sowie Tyler Okonma – bekannt als Tyler, the Creator – in seiner ersten Kinorolle.

Tickets: http://www.filmfest-dresden.de/de/programm/online-programm

Kommt mit auf eine unvergessliche Reise! Ob auf Schienen, unter Wasser oder hoch oben zwischen den Wolken: Unsere kleinen Entdecker:innen erkunden verborgene Welten, knüpfen neue Freundschaften und lernen, ihrer Fantasie freien Lauf zu lassen. Denn wer träumt, kann sich einfach alles vorstellen.

EINMAL UM DIE WELT
Für junge Zuschauer:innen ab 5 Jahren präsentiert das 38. FILMFEST DRESDEN wieder aktuelle internationale Kinder- und Jugendkurzfilme, die den Hauch der weiten Welt auf die große Leinwand bringen. Mit viel Gefühl oder einer Prise Humor sorgen die Kurzfilme nicht nur für gute Unterhaltung, sondern auch wichtige Denkanstöße. Im Rahmen der Vorführungen hat das Publikum die Chance, sich mit anwesenden Filmemacher:innen auszutauschen sowie Fragen und Meinungen loszuwerden.

Tickets: http://www.filmfest-dresden.de/de/programm/online-programm

In Zeiten wie diesen ist Lachen vielleicht das Einzige, was uns bleibt. Wir bewegen uns zwischen Europas Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Klassikern und neuen Entdeckungen – nicht um der Realität zu entkommen, sondern um ihr mit Humor zu begegnen. Denn Humor ist ja bekanntlich, wenn man trotzdem lacht.

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Der erste Film der Brüder Auguste und Louis Lumière dauert kaum eine Minute und dokumentiert das Ende eines Arbeitsalltags. Er zeigt Männer und Frauen, die als Gruppe durch ein Fabriktor gehen, bevor sie nach links und rechts zügig aus dem Bild verschwinden: LA SORTIE DE L’USINE LUMIÈRE À LYON (Frankreich, 1895) ist der erste Film, der je zur Vorführung gekommen ist. Die Geschichte des Mediums Film ist also eng mit einem Ort der Arbeit verbunden.
Die Geburtsstunde des Kinos fällt auch mit einer Zeit zusammen, in der sich die Arbeitswelt grundlegend veränderte. Es wurde heiß diskutiert, in welcher Weise diese Veränderungen gesellschaftliche Leitbilder und Wertvorstellungen prägen könnten und würden. Nun befinden wir uns wieder in einer Umbruchphase, die einen neuerlichen und noch rasanteren Strukturwandel für jede:n sichtbar und in allen Lebensbereichen spürbar macht.
Die Schwerpunktprogramme unter dem Titel „Work in Progress“ sind Spiegel der Arbeitswelt „in progress“. Die diesjährige Retrospektive rückt arbeitende Menschen und ihre Lebenswelten von der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bis heute in den Fokus. Es handelt sich um eine filmische Reise, die ein Augenmerk auf Baukultur und Orte der Arbeit legt. Sie führt von westdeutschen Supermärkten über die proletarische DDR-Provinz in die Weiten Europas. Wir tauchen in den lakonisch-skurrilen Kosmos von Aki Kaurismäki ein und steigen in die Minen Siziliens herab, wir treffen auf Relikte der Wirtschaftswunderzeit und lernen einen Kreativort kennen, an dem auf nahezu utopische Art und Weise Arbeits- und Wohnraum miteinander kombiniert werden.

Tickets: http://www.filmfest-dresden.de/de/programm/online-programm

Sie arbeiteten tagsüber. Nachts versuchten einige von ihnen, sich die Zeit zurückzuholen, die ihnen genommen worden war … An dieser Bruchlinie zwischen auferlegter und zurückeroberter Zeit setzt das Programm „What Remains of Gestures“ an.
Die sechs Filme betrachten Arbeit nicht als ökonomische Kategorie, sondern als sinnliche Erfahrung, als ein Ordnungsprinzip des Sichtbaren und Unsichtbaren. Arbeit tritt hier als ordnende Kraft hervor: Sie strukturiert Räume, bestimmt den Rhythmus, weist Körpern bestimmte Gesten zu und überführt Gesten in Funktionen.
In unterschiedlichen geografischen, historischen und formalen Kontexten untersuchen die Filme, wie sich Arbeit in die Existenz von Menschen einschreibt. Sie fragen danach, wie Arbeit Zeit organisiert, Räume zuweist, Rhythmen reguliert und Körper modelliert. Arbeit erscheint hier weniger als Handlung denn als sensible Struktur: als ein Modus, die Grenze zwischen Sagbarem und Unsagbarem zu ziehen. Doch selbst in dieser Ordnung werden Abweichungen sichtbar – Formen des Widerstehens, des Verlangsamens, des Bewahrens gelebter Erfahrung.
In MARTA formt die Wiederholung von Handgriffen einer polnischen Textilarbeiterin eine Zeitstruktur, die ganz von Notwendigkeit bestimmt ist. Die Arbeit wirkt über den Ort der Produktion hinaus, sickert ins Private und verengt den Horizont auf die fortwährende Wiederholung. Die Handlung zielt nicht auf das Ereignis, sondern hält den Verschleiß fest. Die Müdigkeit nimmt Gestalt an – als Form, als Dauer, als Zustand.
IN PRAISE OF SLOWNESS richtet den Blick auf Berufe, die vom Verschwinden bedroht sind. Langsamkeit gewinnt dabei eine besondere Bedeutung: Sie gibt der Geste ihre Tiefe zurück und stellt eine Beziehung zur Welt her, die sich der rein produktiven Messbarkeit entzieht. Arbeit entfaltet sich hier als Präsenz, als Aufmerksamkeit, als Einschreibung ins Leben.
In 所有动作都应杀死风 (ALL MOVEMENTS SHOULD KILL THE WIND) und FROM ECUADOR WITH LOVE wiederholen sich Gesten bis an die Grenze des Verschwindens. Ob beim Bearbeiten von Stein oder beim Kultivieren von Rosen – menschliche Arbeit scheint von Material, Natur oder industrieller Logik absorbiert zu werden.
Mit INVENTAR verschiebt sich der Blick auf Architektur und kollektives Gedächtnis. Der Rückbau eines modernistischen Gebäudes macht die Auflösung eines historischen Projekts sichtbar. Die Körper, die an seiner Demontage arbeiten, sind Teil dieser Transformation: Die Materie zerfällt – und mit ihr die Erzählung, die sie getragen hat. Arbeit wird damit zum Medium symbolischer Re-Konfiguration.
Demgegenüber verengt KRAHËT E PUNËTORËVE radikal den Maßstab. Hier geht es nicht mehr um kollektive Erinnerung, sondern um körperliche Einschreibung. Von Unfällen gezeichnete Körper erinnern daran, dass Arbeit nicht verschwindet, wenn die Tätigkeit an sich endet. Die unterbrochene Geste arbeitet im Fleisch weiter. Während INVENTAR eine Geschichte im Zerfall zeigt, macht KRAHËT E PUNËTORËVE eine unauslöschliche Spur sichtbar.
Diese Filme formulieren eine ästhetische und politische Frage im konkretesten Sinn: Wer hat ein Recht auf Zeit, auf Sichtbarkeit, auf Sprache? Und was bleibt von den Gesten, wenn die Produktion endet, ihre Spuren aber fortbestehen?

Tickets: http://www.filmfest-dresden.de/de/programm/online-programm

Es kommt oft anders als man denkt. Manchmal wird es für unsere Held:innen ganz schön knifflig, aber mit Freund:innen an ihrer Seite macht alles mehr Spaß. In diesen Geschichten wird gespielt, geholfen und gestaunt. Ein buntes Filmprogramm, das zeigt: Selbst wenn die Welt Kopf steht, ist es genau richtig, so zu sein, wie man ist.

EINMAL UM DIE WELT
Für junge Zuschauer:innen ab 5 Jahren präsentiert das 38. FILMFEST DRESDEN wieder aktuelle internationale Kinder- und Jugendkurzfilme, die den Hauch der weiten Welt auf die große Leinwand bringen. Mit viel Gefühl oder einer Prise Humor sorgen die Kurzfilme nicht nur für gute Unterhaltung, sondern auch wichtige Denkanstöße. Im Rahmen der Vorführungen hat das Publikum die Chance, sich mit anwesenden Filmemacher:innen auszutauschen sowie Fragen und Meinungen loszuwerden.

Tickets: http://www.filmfest-dresden.de/de/programm/online-programm

Das Programm „Can’t Help Being Human“ vereint sechs zeitgenössische lettische Kurzfilme, die die Spannungen zwischen privaten Impulsen und gesellschaftlichen Erwartungen, zwischen Innenleben und den Rollen, die wir spielen, beleuchten. Die Auswahl bewegt sich zwischen Fiktion, Dokumentarfilm und Animation und zeigt, wie Menschen mit Verletzlichkeit, Sehnsucht und Verantwortung umgehen – oft durch kleine Rituale, Routinen und Gesten der Fürsorge.
Den Auftakt bildet der RĪGAS CERIŅI, in dem sich scheinbar beiläufige Gespräche über Gerüche zu unerwartet aufschlussreichen Begegnungen entwickeln. Zwischen ängstlichen Bürger:innen, überheblichen Behörden und vorbeikommenden Fremden zeigen die Schilderungen, wie etwas nicht Greifbares wie ein Duft Verlegenheit, Humor und stille Verletzlichkeit in sich tragen kann.
In CAN’T HELP MYSELF führt die Suche nach Verbundenheit entlang der Ostseeküste. Während sie Eis verkauft, taucht eine junge Frau in geführte Affirmationen und Fragmente mitgehörter Gespräche ein und probt Intimität in einer Landschaft, die von Ratschlägen, Zweifeln und Sehnsucht durchdrungen ist.
Eine dunklere Form der Routine prägt TĪRĪBA. Obwohl es sich um ein humorvolles Porträt eines von Hygiene besessenen Büroangestellten handelt, offenbart der Film eine zerbrechlichere emotionale Realität, in der sorgfältig gepflegte Rituale auf tiefere Ängste und Abhängigkeiten hindeuten.
Mit Blick auf das Kino selbst betritt 81 METRS während der Pandemie im Jahr 2021 Lettlands letzte noch erhaltene Kinosäle. Gedreht auf Super 8, reflektiert der Film über die Verletzlichkeit physischer Kinoräume und die kollektiven Erinnerungen, die sie weiterhin bewahren.
Fragen nach Disziplin und Pflicht tauchen in GUARD OF HONOUR auf, wo eine zeremonielle militärische Routine fortbesteht, selbst als eine Naturkatastrophe die Szene stört. Der einfache Akt, auf seinem Posten zu bleiben, wird sowohl absurd als auch still ergreifend.
Schließlich stellt KUR SAULĪTE NAKTI GUĻ? den modernen Arbeitsplatz als surreale Unternehmensmythologie dar. In fensterlosen Büros, bevölkert von erschöpften Manager:innen und Buchhalter:innen, tauchen seltsame Rituale und Fragmente von Folklore auf, als Wege, mit der Monotonie der heutigen Arbeitswelt fertig zu werden.
In diesen Werken verflechten sich Humor, Melancholie und stille Absurdität. Gemeinsam zeichnen sie ein Bild der Gegenwart, in der Menschen Routinen, Geschichten und kleine Gesten der Fürsorge schaffen – Wege, sich zu erden und dem Alltag einen Sinn zu geben. In Momenten der Unsicherheit werden diese Gewohnheiten zu Werkzeugen der Resilienz und helfen uns, uns in einer Welt zurechtzufinden, die nicht nur von persönlichen Zweifeln, sondern auch von den Lasten und Ängsten der aktuellen Zeit geprägt ist. Die Filme erinnern uns auf sanfte Weise daran, dass Menschsein bedeutet, ständig nach einer Verbindung, Sinn und Stabilität zu suchen, selbst wenn sich die Welt um uns herum unsicher anfühlt.

Tickets: http://www.filmfest-dresden.de/de/programm/online-programm

Mit diesem Programm wollte ich die kulturelle Vielfalt durch Ästhetik und Form erkunden, um zu zeigen, wie groß und doch einzigartig Québec in seiner kreativen Energie ist. Obwohl all diese Filme unterschiedliche Kulturen und Ideen behandeln, zieht sich der pulsierende kreative Impuls der einzigartigen Kunst Québecs wie ein roter Faden durch alle Filme.
Ich interessiere mich für Ästhetik als Mittel zur Erforschung von Kultur und Perspektive, deshalb habe ich das Programm „Shifted Horizons“ genannt. Normalerweise denken wir bei Quebecer Kino nur an französisch-kanadisches Kino, und ich wollte die Tiefen und Ecken erkunden, die nicht unbedingt immer repräsentiert oder zusammen gezeigt werden.

Tickets: http://www.filmfest-dresden.de/de/programm/online-programm

Wusstet Ihr, dass man aus der Spitze einer Ananas eine neue Ananas züchten kann, und aus der Spitze dieser Ananas wiederum eine weitere – und so weiter und so fort, theoretisch bis in alle Ewigkeit? Nützliches Wissen für den Tag, an dem geopolitische Katastrophen die Menschheit dazu zwingen, neu zu lernen, wie man in einer Welt nach dem Internet lebt. Bei dem Versuch, digitale Erinnerungen in die Realität zurückzubringen, könnte eine süß-saftige Ananas Euren Abend in einer von Mark Zuckerberg und dem Jenner-Kardashian-Clan betriebenen Entzugsklinik retten.
Saftig ist auch das Stichwort für zwei Schweißer, die während ihrer Mittagspause ein Himmelsphänomen beobachten. Angesichts des Erhabenen lassen sie ihre Masken fallen – obwohl die Sonne scheint. Apropos Masken: Habt Ihr jemals über die Gefühle einer Rettungspuppe nachgedacht? Hinter ihrem starren Lächeln strömen Emotionen durch ihren Plastikkörper, besonders wenn sie am Boden eines Schwimmbeckens vergessen wird. Wie schön wäre es, von den starken und beruhigenden Armen eines Schwimmers aufgehoben und an die Oberfläche gebracht zu werden …
Könnte dieser Schwimmer Pubert Jimbob sein? Noch nicht. Zunächst muss er Nadine, einem Klumpen mit Mund, zu Hilfe kommen, nachdem er von einer rätselhaften Gestalt, die ihm ein Feuerzeug zuwirft, von seinem geliebten Sofa weggelockt wurde. Candela hingegen hätte wahrscheinlich auf ihrem bleiben sollen. Stattdessen überfährt sie versehentlich den Hund ihres Neffen – ausgerechnet an seinem Geburtstag. Anstatt zu gestehen, erfindet sie eine Legende über eine Pilgerreise von Hunden zu einem heiligen Baum.
Und Lügen halten sich ja bekanntermaßen überraschend lange, zumindest bis wir wirklich im Post-Internet-Zeitalter angekommen sind. Bis dahin werden in unserer wilden Welt gewöhnliche Menschen als Wölfe bezeichnet und als nutzlos und gefährlich verfolgt, während sie in Wirklichkeit nur liebenswerte Katzen sind, die ihr normales Leben leben. Am Ende ist sich jedenfalls niemand einig, was wirklich wahr ist: die Sonnenfinsternis, die Pilgerreise, die Wölfe oder die Katzen. Immerhin die Ananas wächst weiter – und das ist ein ebenso gutes System der Wahrheit wie jedes andere.

Die Impulsveranstaltung der AG Animationsfilm/ASIFA Germany lädt regionale und internationale Animationsfilmschaffende zum entspannten Austausch in das Thalia ein.

Mit Gerhard Funk begrüßen wir einen unabhängigen Filmemacher, der sich in seiner Arbeit experimentellen animierten Kurzfilmen widmet. Nach seinem Studium in „Media Art & Design“ arbeitete er als 3D Artist, Motion Designer und Animator in Festanstellung sowie freiberuflich. Seit 2020 ist er künstlerischer Mitarbeiter an der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle (Saale), wo er 2D- und 3D-Animation unterrichtet. Seine Filme liefen auf zahlreichen internationalen Festivals und wurden mehrfach ausgezeichnet.

Im Mittelpunkt des Vortrags steht sein neuer experimenteller Animationskurzfilm RANDOM FOLKS. Ausgehend von einem KI-basierten Evolutionsszenario, in dem zufällig generierte virtuelle Kreaturen durch Mutation und leistungsbasierte Auslese optimiert werden, entwickelt der Film eine ebenso humorvolle wie nachdenkliche Parabel über Anpassung, Leistungsdruck und die Frage nach Sinn und Scheitern.

Im Anschluss laden wir Euch zu einem gemütlichen Get-together im Barbereich ein – die perfekte Gelegenheit, neue Kontakte zu knüpfen, Gleichgesinnte kennenzulernen und sich über gemeinsame Projekte und Ideen auszutauschen. Zudem könnt Ihr dabei in lockerer Atmosphäre mit Gerhard ins Gespräch kommen und tiefer in die Thematik eintauchen.

Wir freuen uns auf Euch!

Mit Akkreditierung, Vortrag in englischer Sprache

In Zusammenarbeit mit der AG Animationsfilm/ASIFA Germany

Tickets: http://www.filmfest-dresden.de/de/programm/online-programm

Dieses Kurzfilmprogramm vermittelt liebevoll die Hoffnungen und Sehnsüchte der Protagonist:innen. Tapfer stellen sie sich den kleinen und großen Hürden des Heranwachsens. Und für aufmerksame Augen offenbaren sich ihre Stärken und Schwächen in allen Facetten.

EINMAL UM DIE WELT
Für junge Zuschauer:innen ab 5 Jahren präsentiert das 38. FILMFEST DRESDEN wieder aktuelle internationale Kinder- und Jugendkurzfilme, die den Hauch der weiten Welt auf die große Leinwand bringen. Mit viel Gefühl oder einer Prise Humor sorgen die Kurzfilme nicht nur für gute Unterhaltung, sondern auch wichtige Denkanstöße. Im Rahmen der Vorführungen hat das Publikum die Chance, sich mit anwesenden Filmemacher:innen auszutauschen sowie Fragen und Meinungen loszuwerden.

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Mit dem Programm „Spiele mit Spiegeln“ wird der Fokus auf randständige Filmkulturen des Baltikums unter sowjetischer Okkupation fortgesetzt. 2023 widmete sich die Retrospektive „Das süße Wort Freiheit“ dem litauischen Künstler Artūras Barysas (1954-2005) – einem der wichtigsten subkulturellen Akteur:innen im Vilnius der 1980er Jahre. Nun wenden wir uns dem offiziellen Amateurfilm in Lettland zu.
Ab Ende der 1950er Jahre, während der „Tauwetter“-Politik unter Nikita Chruschtschow, wurden in der Sowjetunion die ersten Amateurfilm-Gruppen zugelassen. Lettland gehörte damals zu den Hotspots dieser immer beliebteren Freizeitbeschäftigung. 1970 war hier ihre Zahl auf mehr als 40 Amateurfilmklubs angewachsen. Gedreht wurde meist auf dem semi-professionellen Format 16mm – was gegenüber 8mm eine höhere technische Qualität und auch die Möglichkeit nachträglicher Vertonung mit sich brachte. Darunter gab es spätestens ab Mitte der 1960er Jahre immer wieder Einzelpersonen oder kleine Gruppen, die etwas mehr wagten, als von den strengen kulturpolitischen und juristischen Maßgaben vorgesehen war. So bildete z. B. die Beschäftigung mit der eigenständigen ethnischen Geschichte Lettlands eine wichtige, weil identitätsstiftende Rolle. Auch Umweltschutz oder Nöte des Alltags waren wichtige Themen.
Die Beobachtung durch den KGB gehörte zur Tagesordnung. Einige Pionier:innen der Szene wurden gemaßregelt, Material wurde beschlagnahmt oder aus Angst von den Autor:innen selbst zerstört. Dennoch hat sich ein Korpus wertvoller Werke erhalten. Für dessen Erforschung und Einordnung in die europäische Filmgeschichte hat sich vor allem die lettische Kulturhistorikerin Dr. Inese Strupule verdient gemacht. Die gesicherten und teilweise restaurierten Werke gehören heute zum nationalen Kulturerbe. Sie fanden Aufnahme im Lettischen Nationalarchiv Riga und wurden der Öffentlichkeit zugänglich gemacht.
Unsere Auswahl umfasst 15 zwischen 1966 und 1989 entstandene Produktionen, darunter befinden sich fiktionale und dokumentarische Arbeiten sowie Animations- und Experimentalfilme. Sie sind nun erstmals in Deutschland zu sehen. Das Programm wurde kuratiert von Dr. Elina Reitere und Dr. Claus Löser, die auch die Vorführungen begleiten und kommentieren werden. Die Recherche und Bereitstellung der Filme erfolgt in enger Kooperation mit Sanita Grīna vom lettischen Nationalarchiv Riga.

Kuratiert von Dr. Elīna Reitere und Dr. Claus Löser, mit Unterstützung von Sanita Grīna

Mit freundlicher Unterstützung des Lettischen Staatsarchivs für audiovisuelle Medien, des Lettischen Nationalarchivs und der Sächsischen Landesbeauftragten zur Aufarbeitung der SED-Diktatur

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Sie arbeiteten tagsüber. Nachts versuchten einige von ihnen, sich die Zeit zurückzuholen, die ihnen genommen worden war … An dieser Bruchlinie zwischen auferlegter und zurückeroberter Zeit setzt das Programm „What Remains of Gestures“ an.
Die sechs Filme betrachten Arbeit nicht als ökonomische Kategorie, sondern als sinnliche Erfahrung, als ein Ordnungsprinzip des Sichtbaren und Unsichtbaren. Arbeit tritt hier als ordnende Kraft hervor: Sie strukturiert Räume, bestimmt den Rhythmus, weist Körpern bestimmte Gesten zu und überführt Gesten in Funktionen.
In unterschiedlichen geografischen, historischen und formalen Kontexten untersuchen die Filme, wie sich Arbeit in die Existenz von Menschen einschreibt. Sie fragen danach, wie Arbeit Zeit organisiert, Räume zuweist, Rhythmen reguliert und Körper modelliert. Arbeit erscheint hier weniger als Handlung denn als sensible Struktur: als ein Modus, die Grenze zwischen Sagbarem und Unsagbarem zu ziehen. Doch selbst in dieser Ordnung werden Abweichungen sichtbar – Formen des Widerstehens, des Verlangsamens, des Bewahrens gelebter Erfahrung.
In MARTA formt die Wiederholung von Handgriffen einer polnischen Textilarbeiterin eine Zeitstruktur, die ganz von Notwendigkeit bestimmt ist. Die Arbeit wirkt über den Ort der Produktion hinaus, sickert ins Private und verengt den Horizont auf die fortwährende Wiederholung. Die Handlung zielt nicht auf das Ereignis, sondern hält den Verschleiß fest. Die Müdigkeit nimmt Gestalt an – als Form, als Dauer, als Zustand.
IN PRAISE OF SLOWNESS richtet den Blick auf Berufe, die vom Verschwinden bedroht sind. Langsamkeit gewinnt dabei eine besondere Bedeutung: Sie gibt der Geste ihre Tiefe zurück und stellt eine Beziehung zur Welt her, die sich der rein produktiven Messbarkeit entzieht. Arbeit entfaltet sich hier als Präsenz, als Aufmerksamkeit, als Einschreibung ins Leben.
In 所有动作都应杀死风 (ALL MOVEMENTS SHOULD KILL THE WIND) und FROM ECUADOR WITH LOVE wiederholen sich Gesten bis an die Grenze des Verschwindens. Ob beim Bearbeiten von Stein oder beim Kultivieren von Rosen – menschliche Arbeit scheint von Material, Natur oder industrieller Logik absorbiert zu werden.
Mit INVENTAR verschiebt sich der Blick auf Architektur und kollektives Gedächtnis. Der Rückbau eines modernistischen Gebäudes macht die Auflösung eines historischen Projekts sichtbar. Die Körper, die an seiner Demontage arbeiten, sind Teil dieser Transformation: Die Materie zerfällt – und mit ihr die Erzählung, die sie getragen hat. Arbeit wird damit zum Medium symbolischer Re-Konfiguration.
Demgegenüber verengt KRAHËT E PUNËTORËVE radikal den Maßstab. Hier geht es nicht mehr um kollektive Erinnerung, sondern um körperliche Einschreibung. Von Unfällen gezeichnete Körper erinnern daran, dass Arbeit nicht verschwindet, wenn die Tätigkeit an sich endet. Die unterbrochene Geste arbeitet im Fleisch weiter. Während INVENTAR eine Geschichte im Zerfall zeigt, macht KRAHËT E PUNËTORËVE eine unauslöschliche Spur sichtbar.
Diese Filme formulieren eine ästhetische und politische Frage im konkretesten Sinn: Wer hat ein Recht auf Zeit, auf Sichtbarkeit, auf Sprache? Und was bleibt von den Gesten, wenn die Produktion endet, ihre Spuren aber fortbestehen?

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„Kill the Boss“ versteht den „Boss“ als mehr als nur eine Person: Er kann ein System, ein Gefühl, eine innere Stimme oder eine perfekt lächelnde „Girlboss“ sein. Das Programm vereint eine vielfältige Auswahl an Animationsfilmen, die sich dem Thema mit unterschiedlichen Stilen, Zwischentönen und Erzählstrategien nähern. Von verführerischen Empowerment-Fantasien bis hin zu surrealen und teuflischen Kontrollfiguren laden die Filme das Publikum auf eine seltsame, spielerische und manchmal beunruhigende Reise durch zeitgenössische Machtstrukturen ein.

Mackenzie Fincham und Petra Stipetić

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Kommt mit auf eine unvergessliche Reise! Ob auf Schienen, unter Wasser oder hoch oben zwischen den Wolken: Unsere kleinen Entdecker:innen erkunden verborgene Welten, knüpfen neue Freundschaften und lernen, ihrer Fantasie freien Lauf zu lassen. Denn wer träumt, kann sich einfach alles vorstellen.

EINMAL UM DIE WELT
Für junge Zuschauer:innen ab 5 Jahren präsentiert das 38. FILMFEST DRESDEN wieder aktuelle internationale Kinder- und Jugendkurzfilme, die den Hauch der weiten Welt auf die große Leinwand bringen. Mit viel Gefühl oder einer Prise Humor sorgen die Kurzfilme nicht nur für gute Unterhaltung, sondern auch wichtige Denkanstöße. Im Rahmen der Vorführungen hat das Publikum die Chance, sich mit anwesenden Filmemacher:innen auszutauschen sowie Fragen und Meinungen loszuwerden.

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Mit diesem Programm wollte ich die kulturelle Vielfalt durch Ästhetik und Form erkunden, um zu zeigen, wie groß und doch einzigartig Québec in seiner kreativen Energie ist. Obwohl all diese Filme unterschiedliche Kulturen und Ideen behandeln, zieht sich der pulsierende kreative Impuls der einzigartigen Kunst Québecs wie ein roter Faden durch alle Filme.
Ich interessiere mich für Ästhetik als Mittel zur Erforschung von Kultur und Perspektive, deshalb habe ich das Programm „Shifted Horizons“ genannt. Normalerweise denken wir bei Quebecer Kino nur an französisch-kanadisches Kino, und ich wollte die Tiefen und Ecken erkunden, die nicht unbedingt immer repräsentiert oder zusammen gezeigt werden.

Tickets: http://www.filmfest-dresden.de/de/programm/online-programm


Filme der Programmreihe „Experimente” sind grundsätzlich Interventionen, die etablierte Darstellungsformen in neue Bahnen lenken und dabei die Betrachter:innen zum Perspektivwechsel einladen. Es handelt sich um Grenzüberschreitungen, die Kategorien wie Gattung und Genre, Film und Performance, ja selbst Zeit und Raum auflösen. Jenseits des Raum-Zeit-Kontinuums oder in „Zwischenräumen” angesiedelt, ermöglichen es ungewohnte, manchmal gar utopische Konstellationen, Macht- und Gesellschaftssysteme gleichsam von außen in den Blick zu nehmen und sie auf diese Weise zu erschüttern.
Gleich der erste Film des Programms, PIDIKWE, ist ein audiovisueller Wirbelsturm, der die Ausbeutung des indigenen, weiblichen Körpers durch den kolonialen Blick gewissermaßen umkehrt. Der Film der franko-kanadischen Filmemacherin und Künstlerin Caroline Monnet bietet diesen Frauen die Möglichkeit, die Kontrolle über ihr Bild zurückzugewinnen und einen Prozess der Selbstbestimmung einzuleiten.
Sasha Pirkers EVERYONE DESERVES A SLICE OF THE PIE ist eine surreale Collage, die den subversiven Charakter des Kinos feiert, Inspiration in den Slapstickfilmen aus der Frühzeit des Kinos findet, zum Zeichensetzen in der Gegenwart auffordert, um für unsere Zukunft zu kämpfen.
WINNER von der multidisziplinären Künstlerin Marianna Simnett führt uns in eine halluzinatorische Welt, die an CLOCKWORK ORANGE von Stanley Kubrick erinnert und spielerisch Machthierarchien und Massenpsychologie beim Fußball seziert. Triumph und Niederlage, Leid und Brutalität, Spiel und Eskalation liegen dicht beieinander.
BLIND, INS AUGE von Atefeh Kheirabadi und Mehrad Sepahniai ist eine Dokumentation, welche die brutale Repression durch die Revolutionsgarden und Sicherheitskräfte gegenüber friedlichen Demonstrant:innen im Iran beleuchtet. Angesichts der Ereignisse seit Ende Februar 2026 und nach den Tyrannenmorden steht das Land vor einer ungewissen Zukunft. Es bleibt nur die Hoffnung auf Justiz und Freiheit für das Volk.
DI NOTTE von Anouk Chambaz oszilliert zwischen Dunkelheit und Licht, Traum und Wachsein, Unbekanntem und Vertrautem, Erinnerung und Vorstellungskraft – dem Schwebezustand, in dem Filme auch im Kinosaal erlebt werden.
THE END von Claudia Larcher ist eine KI-generierte ironisch-dystopische Zukunftsvision des Kinos. Nicolaas Schmidts LINEAR ENDJOY führt (technische) Vergangenheit und die gesellschaftlich-kulturelle Gegenwart noch einmal zusammen und lässt damit das Programm ausklingen.

Sven Pötting

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Es ist schon wieder soweit. Wir würden ja gern sagen, wir hätten uns im vergangenen Jahr für dieses Programm völlig verausgabt – aber ganz ehrlich? Wir sind genauso erschöpft wie der Rest der Welt. Trotzdem sind wir wieder da. Mit einer Auswahl all der Dinge, die passieren, wenn andere sich Mühe geben. Wir sitzen derweil im Kino und schauen zu.
Kuratiert von Anne Gaschütz, Daniel Vadocký

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Es kommt oft anders als man denkt. Manchmal wird es für unsere Held:innen ganz schön knifflig, aber mit Freund:innen an ihrer Seite macht alles mehr Spaß. In diesen Geschichten wird gespielt, geholfen und gestaunt. Ein buntes Filmprogramm, das zeigt: Selbst wenn die Welt Kopf steht, ist es genau richtig, so zu sein, wie man ist.

EINMAL UM DIE WELT
Für junge Zuschauer:innen ab 5 Jahren präsentiert das 38. FILMFEST DRESDEN wieder aktuelle internationale Kinder- und Jugendkurzfilme, die den Hauch der weiten Welt auf die große Leinwand bringen. Mit viel Gefühl oder einer Prise Humor sorgen die Kurzfilme nicht nur für gute Unterhaltung, sondern auch wichtige Denkanstöße. Im Rahmen der Vorführungen hat das Publikum die Chance, sich mit anwesenden Filmemacher:innen auszutauschen sowie Fragen und Meinungen loszuwerden.

Tickets: http://www.filmfest-dresden.de/de/programm/online-programm

Sich Alltagsrassismus, Umweltzerstörung oder den eigenen Ängsten entgegenzustellen, erfordert Mut. Die Geschichten dieses Kurzfilmprogramms handeln von genau diesem Moment: dem Wagnis, die eigene Komfortzone zu verlassen, eine unsichtbare Grenze zu übertreten und daran zu wachsen.

Tickets: http://www.filmfest-dresden.de/de/programm/online-programm

Neue Umstände, alte Erinnerungen und die Sehnsucht nach Veränderung bestimmen die Geschichten dieses Kurzfilmprogramms. Vor dem Hintergrund familiärer Konflikte und flüchtiger Erinnerungen schärfen die Protagonist:innen ihren Blick für die Umwelt und kommen sich selbst dabei näher als je zuvor.

Tickets: http://www.filmfest-dresden.de/de/programm/online-programm

Das Programm „Can’t Help Being Human“ vereint sechs zeitgenössische lettische Kurzfilme, die die Spannungen zwischen privaten Impulsen und gesellschaftlichen Erwartungen, zwischen Innenleben und den Rollen, die wir spielen, beleuchten. Die Auswahl bewegt sich zwischen Fiktion, Dokumentarfilm und Animation und zeigt, wie Menschen mit Verletzlichkeit, Sehnsucht und Verantwortung umgehen – oft durch kleine Rituale, Routinen und Gesten der Fürsorge.
Den Auftakt bildet der RĪGAS CERIŅI, in dem sich scheinbar beiläufige Gespräche über Gerüche zu unerwartet aufschlussreichen Begegnungen entwickeln. Zwischen ängstlichen Bürger:innen, überheblichen Behörden und vorbeikommenden Fremden zeigen die Schilderungen, wie etwas nicht Greifbares wie ein Duft Verlegenheit, Humor und stille Verletzlichkeit in sich tragen kann.
In CAN’T HELP MYSELF führt die Suche nach Verbundenheit entlang der Ostseeküste. Während sie Eis verkauft, taucht eine junge Frau in geführte Affirmationen und Fragmente mitgehörter Gespräche ein und probt Intimität in einer Landschaft, die von Ratschlägen, Zweifeln und Sehnsucht durchdrungen ist.
Eine dunklere Form der Routine prägt TĪRĪBA. Obwohl es sich um ein humorvolles Porträt eines von Hygiene besessenen Büroangestellten handelt, offenbart der Film eine zerbrechlichere emotionale Realität, in der sorgfältig gepflegte Rituale auf tiefere Ängste und Abhängigkeiten hindeuten.
Mit Blick auf das Kino selbst betritt 81 METRS während der Pandemie im Jahr 2021 Lettlands letzte noch erhaltene Kinosäle. Gedreht auf Super 8, reflektiert der Film über die Verletzlichkeit physischer Kinoräume und die kollektiven Erinnerungen, die sie weiterhin bewahren.
Fragen nach Disziplin und Pflicht tauchen in GUARD OF HONOUR auf, wo eine zeremonielle militärische Routine fortbesteht, selbst als eine Naturkatastrophe die Szene stört. Der einfache Akt, auf seinem Posten zu bleiben, wird sowohl absurd als auch still ergreifend.
Schließlich stellt KUR SAULĪTE NAKTI GUĻ? den modernen Arbeitsplatz als surreale Unternehmensmythologie dar. In fensterlosen Büros, bevölkert von erschöpften Manager:innen und Buchhalter:innen, tauchen seltsame Rituale und Fragmente von Folklore auf, als Wege, mit der Monotonie der heutigen Arbeitswelt fertig zu werden.
In diesen Werken verflechten sich Humor, Melancholie und stille Absurdität. Gemeinsam zeichnen sie ein Bild der Gegenwart, in der Menschen Routinen, Geschichten und kleine Gesten der Fürsorge schaffen – Wege, sich zu erden und dem Alltag einen Sinn zu geben. In Momenten der Unsicherheit werden diese Gewohnheiten zu Werkzeugen der Resilienz und helfen uns, uns in einer Welt zurechtzufinden, die nicht nur von persönlichen Zweifeln, sondern auch von den Lasten und Ängsten der aktuellen Zeit geprägt ist. Die Filme erinnern uns auf sanfte Weise daran, dass Menschsein bedeutet, ständig nach einer Verbindung, Sinn und Stabilität zu suchen, selbst wenn sich die Welt um uns herum unsicher anfühlt.

„[...] das monströse Geschlecht existiert in einer liminalen Zone, die die Grenze zwischen dem Menschlichen und dem Nicht-Menschlichen markiert.“ Judith Butler

Das Programm vereint fiktionalen Horror, queere Formexperimente und Animation zu einem grenzüberschreitenden, neonfarbenen Fiebertraum voller dunklem Humor und visuellem Exzess. Seit Beginn der Filmgeschichte sind Schurk:innen und Monster von Frankenstein bis Dracula oft queer codiert; bösartig-andersartig, als Projektionsflächen der Angst und Faszination, moralisch verurteilt durch eine heteronormative Gesellschaft. Die Filme dieses Programms unterlaufen diese Zuschreibungen, um sich das Monströse
wieder anzueignen und farbenprächtig zu zelebrieren. Figuren wenden sich gegen ihre Autor:innen und legen die Gewalt normativer Erzählweisen offen. Schmelzende, abweichende und hybride Körper erleben Transformation als dysphorischen Horror und Befreiung zugleich. Der Akt des Filmemachens selbst wird Teil der Erzählungen. Seine Grenzen und Widersprüche fließen in die Narrative ein und machen das Ringen um queere Ermächtigung spürbar: animierte Labore, mystische Held:innen, lebendig gewordene Sextoys und Racheakte im Kinosaal. Obsessive Sinnlichkeit, Camp und Stilisierung verbinden sich zu einer befreiten, widerständigen Sprache.

Mit einem Fokus auf die Queer French Extremity und aktuellen Stimmen des britischen, spanischen und taiwanesischen Kinos versteht sich dieses Programm als Einladung, queere Monstrosität als eine zeitgenössische filmische Kraft zu erleben: hungrig, normverschlingend und transformativ.

Kuratiert von Felix Bartke, Miri Ian Gossing

Tickets: http://www.filmfest-dresden.de/de/programm/online-programm

Der Schönbildseher ist kaputt, die Brautschuhe liegen im Schweinestall. Die maskuline Wettrangelei ist vorbei, auch antike Videospielagent:innen müssen aufgeben. Creating Human Life Outside the Body? Ein glatter Fehlschlag. Nun die Lottozahlen. Vogelkacke. Doch eine niederbayerische Astro-Therapeutin meint, am Ende wird alles gut. Eine Box unerfüllter Träume im Panorama National.

Christian Hempel für die Auswahlkommission Nationaler Wettbewerb

Jung, neugierig und voller Tatendrang verlässt Siri Hustvedt ihre Heimat Minnesota und stürzt sich mitten hinein ins pulsierende New York. Auf der Suche nach der Hauptfigur ihres ersten Romans beginnt eine Reise, die sie nicht nur zur Schriftstellerin macht, sondern zu einer der wichtigsten Stimmen der amerikanischen Gegenwartsliteratur. Der Film öffnet einen Blick weit über Siri Hustvedt hinaus und feiert die kämpferische Kreativität von Künstlerinnen, denen die Autorin sich verbunden fühlt. Zugleich erzählt der Film die einzigartige Liebesgeschichte des legendären Autorenpaares aus Brooklyn: Siri Hustvedt und Paul Auster. Doch während die beiden über Sprache, Identität und die Kraft der Worte nachdenken, bricht das Leben herein: Paul Auster wird schwer krank. Auch nach seinem Tod endet die gemeinsame Geschichte nicht: Siri Hustvedt beginnt den Verlust ihres „Lebensmenschen“ im Buch „Ghost Stories: Ein Buch der Erinnerung“ literarisch zu verarbeiten.

Der Film ist ein behutsam als Triptychon komponierter Spielfilm. Die drei Geschichten kreisen um die Beziehungen erwachsener Kinder zu ihren teils distanzierten Eltern und untereinander. Jedes der drei Kapitel spielt in der Gegenwart, jedes in einem anderen Land: »Father« ist im Nordosten der USA angesiedelt, »Mother« in Dublin und »Sister, Brother« in Paris. Es ist eine Reihe von Charakterstudien, ruhig, beobachtend und ohne Wertung – und zugleich eine Komödie, durchzogen von feinen Fäden der Melancholie.

Im Jahrhundertsommer 2018 führen die Romanautorin Tanja Arnheim und der Webdesigner Jerome Daimler eine scheinbar ideale Fernbeziehung in der Hitze Berlins, der Idylle eines geerbten Bungalows im hessischen Maintal und vielen Zugfahrten dazwischen. Doch das sorgfältig gepflegte Gleichgewicht aus Vertrauen und Ungebundenheit der beiden hyperreflektierten Millennials gerät ins Wanken, als Tanja in der Nacht ihres Geburtstags bemerkt, dass die Beziehung existentiell werden könnte.

Frankreich in den 1980er Jahren. Als die 13-jährige Alpha mit einem selbstgeritzten Tattoo auf dem Arm nach Hause kommt, gerät ihr Leben aus den Fugen. Ausgerechnet da taucht ihr Onkel Amin auf, der keinerlei Angst vor dem Tod zu haben scheint.
Als erstaunliche Neuentdeckung ist in der titelgebenden Rolle die junge französische Schauspielerin Mélissa Boros zu sehen. Julia Ducournau konfrontiert furchtlos das Kinopublikum mit immer neuen Perspektiven – von schmerzhafter Härte bis zu tiefer Menschlichkeit.

Als der schüchterne Colin in einer Bar auf den charismatischen Ray trifft, ist es sofort um ihn geschehen. Dass der attraktive Biker ausgerechnet ihn zu seinem neuen Gefährten erwählt, kann er kaum fassen. Ray fordert absolute Unterwerfung, zu der Colin nur allzu gern bereit ist. Er putzt, kocht, kauft ein und schläft anstandslos auf dem Bettvorleger. Im Gegenzug öffnet ihm Ray die Tür zu einer aufregenden Welt wilder Abenteuer und sexueller Ekstase. Während sich seine Eltern zunehmend Sorgen machen, genießt Colin sein neues Leben in vollen Zügen. Doch langsam erwacht in ihm eine leise Sehnsucht nach etwas, das Ray ihm vielleicht niemals geben kann.

Nie zuvor gesehenes Filmmaterial, exklusive Sprachnachrichten und Berichte aus Jeff Buckleys innerem Kreis zeichnen ein fesselndes Porträt des begabten Musikers, der 1997 auf tragische Weise ums Leben kam, nachdem er nur ein Album veröffentlicht hatte.

Im Jahrhundertsommer 2018 führen die Romanautorin Tanja Arnheim und der Webdesigner Jerome Daimler eine scheinbar ideale Fernbeziehung in der Hitze Berlins, der Idylle eines geerbten Bungalows im hessischen Maintal und vielen Zugfahrten dazwischen. Doch das sorgfältig gepflegte Gleichgewicht aus Vertrauen und Ungebundenheit der beiden hyperreflektierten Millennials gerät ins Wanken, als Tanja in der Nacht ihres Geburtstags bemerkt, dass die Beziehung existentiell werden könnte.

„Geburt folgt keinem Drehplan“: Regisseurin Nicole Schergs Dokumentarfilm begleitet fünf Hebammen in Äthiopien, Brasilien, Marokko, Nepal und Österreich. Ein Film über nichts weniger als unsere Menschwerdung und ihre Umstände.

Thomas „Eichi“ Eichstätt, trainiert in Mecklenburg- Vorpommern die Fußballmannschaft FC Pio. Viele der jungen Spieler sind aus ihren Heimatländern geflohen und kämpfen mit Jobsuche, Akzeptanz und ihrer Vergangenheit. Für viele ist Eichi Vaterfigur, doch er blickt auf eine düstere Zeit als Rechtsextremist zurück. Wenn Fußballtrainer Thomas „Eichi“ Eichstätt mit seiner Mannschaft aus Torgelow bei Turnieren auftaucht, fallen sie sofort auf. Der große, kräftige Mann mit Glatze, Tattoos und Stimme, die über das ganze Feld hallt, trainiert vor allem Geflüchtete. Auf dem Rasen sind die jungen Erwachsenen ganz im Hier und Jetzt. Doch abseits des Spielfeldes holt sie ihre Vergangenheit und Sehnsucht nach Heimat ein. Jobsuche, Fremdenfeindlichkeit und die Suche nach Zugehörigkeit sind für sie zusätzliche harte Lebensrealität. Für viele der Spieler ist „Eichi“ Bezugsperson und Freund. Aber auch er blickt auf ein früheres, dunkles Leben als Rechtsextremist. Der abendfüllende Dokumentarfilm zeigt mal humorvoll und leicht, mal tiefsinnig und ungeschönt ihre Lebenswege, die gegensätzlicher nicht sein könnten.