Thalia Kino Dresden - Cinema . Coffee and Cycling

Nach dem 7. Oktober 2023, dem Überfall der Hamas auf Israel und dem Massaker, bei dem rund 1200 Menschen ermordet und etwa 250 Geiseln genommen wurden, reagierte Israel mit beispielloser Härte. Eine der am besten ausgerüsteten Streitkräfte der Welt drang in den nur knapp 40 Kilometer langen und sechs- zwölf Kilometer breiten Gaza-Streifen ein, mit dem erklärten Ziel, die dort herrschende Terror-Organisation Hamas zu vernichten.

Schnell mehrten sich jedoch Berichte von zivilen Toten, von wahllosen Zerstörungen von Gebäuden, dem gezielten Angriff auf Infrastruktur, auf Krankenhäuser, der Wasserversorgung. Inzwischen sind weit mehr als 70.000 Menschen in Gaza gestorben, die Mehrheit von ihnen Frauen und Kinder. Unvermeidliche Kollateralschaden heißt es dazu von Seiten der israelischen Armee, zumal sich die Hamas gezielt hinter menschlichen Schutzschilden versteckt halte. Doch Israel sei die „moralischste Armee der Welt“ heißt es, nie habe eine Armee sich so sehr bemüht, zivile Opfer zu vermeiden.

Immer mehr Menschenrechtsorganisationen zweifeln dies an, werfen Israel und seiner Armee, der IDF, vor, zumindest Kriegsverbrechen zu begehen, auch Verbrechen gegen die Menschlichkeit. Beim Internationalen Gerichtshof in Den Haag ging sogar eine Klage ein, die das Vorgehen Israels als Genozid bezeichnet. Bis dieser Prozess entschieden sein wird, dürften Jahre vergehen, bis es soweit ist bleiben Filme wie „Naza“, der in schwer zu ertragenden 80 Minuten einen nüchternen Blick auf die Methoden Israels wirft.

24 Armeemitglieder, Soldaten und Techniker kommen zu Wort, interviewt von Yuval Abraham, des Nachts in der Metropole Tel Aviv, einer modernen Stadt, nur 60 Kilometer Nördlich des Gaza-Streifens. Im Schutz der Dunkelheit, zusätzlich mit verfremdeter Stimme, um ihre Anonymität zu wahren und unweigerliche Repressionen möglichst zu verhindern, wird von den ausgefeilten Methoden berichtet, mit denen in Gaza Terroristen gejagt werden.

Die Überwachung ist vollständig, jedes Telefon- oder Handy-Gespräch, das die dort lebenden Palästinenser führen, wird abgehört, per Drohnen-Aufklärung werden präzise Modelle der Gebäude in Gaza angefertigt, um exakt orten zu können, wo sich ein mutmaßlicher Terrorist aufhält. Doch da dieser Terrorist selten allein ist stellt sich die Frage, wie viele Zivilisten bei einem Angriff auch getötet werden dürfen, wie hoch der Kollateralschaden sein darf, der Naza, wie das hebräische Akronym lautet. Mal sind es „nur“ ein paar, in anderen Phasen des Krieges waren angeblich 20 völlig akzeptabel, einzelne der Interviewten sprechen gar von 200 oder sogar 500 Nazas, die als akzeptabel galten.

Überprüfen lässt sich all das nicht, das liegt in der Natur der Sache, Gründe an den Aussagen der Zeugen zu zweifeln gibt es jedoch nicht. Zu sehr ähneln sich die Berichte der Männer und wenigen Frauen, zu selbstverständlich, ja geradezu beiläufig berichten sie vom systematischen Inkaufnehmen ziviler Opfer, zu sehr stützen die Bilder aus Gaza, die seit drei Jahren von der Vernichtung einer Region zeugen, die Aussagen der Zeugen.

Neu sind die Berichte in „Naza“ meist nicht, bei der britischen Zeitung The Guardian, die den Film auch co-produzierte, und der israelischen Webseite +972, waren viele der Aussagen der Zeugen schon zu lesen. Was Yuval Abraham und Rachel Szor in „Naza“ jedoch machen, ist auf subtile Weise anzudeuten, wie sehr Anklagen israelischer Politiker auch auf das eigene Land zutreffen. Einmal sieht man den israelischen UN-Botschafter, der alle Bewohner Gazas der Mitwisserschaft beschuldigt. Doch was soll man über Israelis sagen, die den Krieg in Gaza Live im Fernsehen verfolgen, wie Abraham und Szor andeuten, indem sie mit der Kamera immer wieder über die nächtlichen Fassaden Tel Avis streifen, wo in den erleuchteten Fenster Fernseher leuchten.

Und schließlich eine Aussage Benjamin Netanjahus, der vor vielen Jahren in einem TV-Interview seine Definition von Terrorismus gab: Dies sei der Fall, wenn gezielt Zivilisten angegriffen werden, um politische Ziele zu erreichen. Wenn man dazu Aussagen hört, die von den gezielten Schlägen in Gaza berichten, der Vertreibung der Bevölkerung, dem Erschießen von Zivilisten, die verzweifelt auf der Suche nach Nahrung sind, liegt die Aussage von „Naza“ auf der Hand.

Dass die Regisseure inzwischen von ihrer eigenen Regierung des Landesverrats beschuldigt werden, ihnen mit dem Entzug der Staatsbürgerschaft gedroht wird, überrascht kaum. Dabei ist „Naza“ kein wütendes, agitatorisches Pamphlet, sondern überzeugt gerade durch seine überlegte, nüchterne Art.

Michael Meyns

Während ihrer Recherchen in Schweizer Museen stößt die Künstlerin Deneth Piumakshi Veda Arachchige auf eine Sammlung menschlicher Überreste und Kulturgüter der Wanniyala-Aetto, einer indigenen Adivasi-Gemeinschaft aus Sri Lanka. Die Objekte wurden zu Beginn des 20. Jahrhunderts von den Schweizer Naturforschern Paul und Fritz Sarasin nach Basel gebracht – unter Anwendung von Methoden, die koloniale Gewalt und wissenschaftliche Ambitionen auf beunruhigende Weise miteinander verbanden. Sri Lanka forderte bereits in den 1970er Jahren die Rückgabe einiger dieser Gegenstände – doch die Schweiz lehnte dies ab. Nun, Jahrzehnte später, setzen sich Deneth Piumakshi Veda Arachchige und Uruwarige Wannilaththo, der Häuptling der Wanniyala-Aetto, dafür ein, dass die menschlichen Überreste und Artefakte endlich zurückgegeben werden. Ein langwieriger Prozess beginnt …

«Elephants & Squirrels» wirft ein Licht auf die Verwicklung der Schweiz in das Kolonialsystem. Der Film erzählt Vergangenheit und Gegenwart aus verschiedenen Perspektiven und konfrontiert die Schweiz mit entscheidenden Fragen zu Macht, historischer Verantwortung und kulturellem Erbe.

Mit nur 16 Jahren erschafft Soraya bereits beeindruckende, zugleich schöne wie düstere Zeichnungen und Skulpturen. Die willensstarke afghanische Bildhauerin und Illustratorin versucht seit fünf Jahren, aus dem Iran zu fliehen, um zu ihrer Mutter nach Österreich zu gelangen. In ihrem subtil texturierten Selbstporträt verwebt Soraya erschütternde Szenen ihrer Fluchtversuche mit politischen Nachrichten aus Afghanistan sowie Videos, in denen sie singt, tanzt – oder ihre Verletzungen zeigt. Soraya ist mit einem gewalttätigen Mann verheiratet und entschlossen, ihre Zukunft selbst zu gestalten. Mehrdad Oskouei inszenierte den Film vollständig aus der Ferne; Soraya filmte über fünf Jahre hinweg alles selbst mit ihrem Handy. Dieses Material wird mit Aufnahmen ihrer Zeichnungen und surrealen Animationen ergänzt. Für Soraya ist Kunst kein Zeitvertreib: Alle ihre Sorgen, Freuden und Ängste fließen in ihre Werke ein – etwa in Skulpturen aus getränkten Eierkartons oder Ton, den sie auf ihren Fluchtrouten findet. Viele ihrer Zeichnungen zeigen wiederkehrende Figuren: einen treuen Fuchs als Reisebegleiter, einen rosa Mond, der stets über sie wacht, und einen Clown, der immer lacht – eine Figur, mit der sich Soraya identifiziert.

In Nigeria gründet eine Gruppe Teenager das Filmkollektiv „The Critics“. Mit minimalen Mitteln, großem Enthusiasmus und viel Erfindungsgeist erschaffen sie handgemachte Sci-Fi-Filme: Ihr Dorf wird zum Set, der Greenscreen handgenäht, die Nachbarskinder zu Darsteller*innen. Ihre Filme verwandeln den Alltag in wilde Traumwelten - Flucht, Zuflucht und ein Fenster zur Welt. »Crocodile« begleitet das Kollektiv vor und hinter der Kamera: politisches Engagement, Debatten, Zweifel, Widerstand und die schrittweise Professionalisierung ihres Handwerks. Ein von der Magie des Kinos getragenes Coming-of-Age voller Energie, Kreativität und Lebensfreude.

In der von Bergen umgebenen, kleinen Stadt Tepoztlán in Mexiko wächst Karla auf. Der Dokumentarfilm begleitet sie über acht Jahre hinweg, vom Kindsein in die Jugendzeit, von ersten Fragen bis zu einem klaren Gefühl für sich selbst. Karla ist trans*, und der Film zeigt, wie Identität nicht plötzlich »da« ist, sondern sich entfaltet, etwa in Gesprächen mit Freund*innen, durch Blicke von Außenstehenden, in Kleidung und Make-Up, beim Sport mit anderen Mädchen. Während Karla ihre Verwandlung meistert, fügt Kani Lapuerta dokumentarisches Bildmaterial, Social-Media-Videos von Karla sowie inszenierte und fantastisch-überspitzte Sequenzen zu einem heiteren Film zusammen, in dem Protagonist*in und Regisseur selbstbewusst die Erfahrungen einer trans* Jugend in einer ländlichen Region reflektieren. Gerade weil ihre Beziehung zueinander selbstreflexiver Teil des Films ist, wirkt Niñxs als gemeinsames Empowerment-Projekt. Der Coming-of-Age-Film ist farbenfroh, verspielt, politisch, witzig und beleuchtet die queere Lebensrealität mit intimer Nähe. Er verdeutlicht, wie wichtig die selbstbestimmte Repräsentation von trans* Realitäten im Film ist, und setzt den Fokus auf Lebensfreude und Queer Joy, die sich in Karlas Leben nicht zuletzt durch die Unterstützung von Freund*innen und Familie entfaltet – ohne dabei zu verschweigen, dass Karlas Werdegang auch Herausforderungen mit sich bringt und Resilienz erfordert. Ein einfühlsames Porträt, das Mut macht und Selbstbestimmung, Selbstausdruck und Community feiert.

„Wolobougou“ bedeutet auf Bambara „Ort der mitfühlenden Geburt“. So heißt die kleine Geburtsklinik im Busch, die die Hebamme Honorine Soma in Burkina Faso gegründet hat. Honorine hat sich zum Ziel gesetzt, die Stellung der Frauen in der burkinischen Gesellschaft zu revolutionieren. Sie hat ihre eigene Klinik ins Leben gerufen, um Frauen in ländlichen Gebieten Zugang zu medizinischer Versorgung zu ermöglichen. In einer Region mit kaum vorhandenen medizinischen Ressourcen ist jede Maßnahme von entscheidender Bedeutung. Sie gibt ihren feministischen Kampf an die jungen Hebammen weiter, die sie ausbildet, und hilft ihnen so, Unabhängigkeit zu erlangen. Es ist ein Streben nach Würde und Gerechtigkeit, das in der intimen Erfahrung des Körpers verwurzelt ist.

Die Verleihung des 12. MOVE IT! Filmpreises für Menschenrechte ist der Höhepunkt des Festivals und ein starkes Zeichen für gesellschaftliches Engagement sowie filmische Verantwortung. Ausgezeichnet werden Filme, die mit künstlerischer Qualität und politischer Haltung auf globale Missstände aufmerksam machen und zum Handeln anregen. Nachhaltig wirkt der Preis, weil er Sichtbarkeit für Themen schafft, die oft übersehen werden, und Filmemacher:innen ermutigt, weiter kritisch und couragiert zu arbeiten.

Der MOVE IT! Filmpreis für Menschenrechte wird von einer unabhängigen internationalen Jury an Filme aus dem Wettbewerbsprogramm verliehen. Der Preis ist mit 1.500 Euro dotiert.

Die nominierten Filme sind:

A FOX UNDER A PINK MOON

COLLAPSE

CUTTING THROUGH ROCKS

THE LIONS BY THE RIVER TIGRIS

TO HOLD A MOUNTAIN

„Schließt die Fenster. Der Tiger kommt!“ - ein Erinnerungsfragment ihrer an Alzheimer erkrankten Mutter führt die indische Filmemacherin Madhusree Dutta in die Zeit des Zweiten Weltkriegs. In Assam errichtete die US-Armee 1942 eine Luftbrücke über den Himalaya; ihre Infrastruktur zerstörte die Dschungel, und Tiger erschienen in den Teeplantagen, in denen ihre Mutter aufwuchs. Gemeinsam mit der chinesischen Medienwissenschaftlerin You Mi und dem assamesischen Schriftsteller Purav Goswami begibt sich Dutta auf eine Reise durch Zeiten, Orte und brüchige Erinnerungen. Ein audiovisuelles Geflecht aus Anekdoten, Briefen und Bildern, in dem das Autobiografische hybrid und halluzinatorisch wird.

In den abgelegenen Bergen des ländlichen Taiwans lebt Oom (Wanlop Rungkumjad), ein thailändischer Einwanderer ohne Papiere, der als Pfleger für ältere und behinderte Menschen arbeitet. Obwohl er über keine formelle Ausbildung verfügt, kümmert sich Oom gewissenhaft um seine Klient*innen, darunter ein schwerbehinderter junger Mann und seine gebrechliche Mutter. Doch sein Alltag ist geprägt von Not und Ausbeutung. Als seine Situation zunehmend unerträglich wird, sieht sich Oom vor einer schmerzhaften Entscheidung: zwischen dem bloßen Überleben und der Wahrung seiner Würde. Die Themen von Mongrel entfalten sich durch eine Reihe bitterer Ironien und Gegensätze: der anständige Pfleger in einer unanständigen, ausbeuterischen Welt; die Träume von Migrant*innen in einer wirtschaftlich heruntergekommenen Einöde; und die körperlich Gebrechlichen, die gegen Grausamkeit und Gleichgültigkeit wehren.

Der MOVE IT! YOUNG Nachwuchswettbewerb bietet jungen Filmschaffenden die Möglichkeit, ihre eigenen Kurzfilme beim MOVE IT! Filmfestival für Menschenrechte zu präsentieren und den Nachwuchspreis zu gewinnen.

Zum diesjährigen Thema „lost focus“ hat die MOVE IT! YOUNG Jugendjury eine Auswahl aus den eingereichten Filmen zusammengestellt. Sie präsentiert das Kurzfilmprogramm beim Festival und zeichnet anschließend diePreisträger*innen mit dem Jurypreis aus. Freut euch auf vielfältige filmische Perspektiven junger Filmschaffender.

Unbeugsam und revolutionär - »The Woman Who Poked The Leopard« ist ein intimes Porträt der ugandischen Dichterin und Wissenschaftlerin Dr. Stella Nyanzi, die sich mit mutigen Widerstandsaktionen der staatlichen Unterdrückung widersetzt. Durch Performances und Proteste stellt sich Stella der Diktatur und dem Patriarchat entgegen. Sie trotzt Drohungen, Haft und Exil, um die Autonomie sowohl für ihr Land als auch für ihre eigene Familie zurückzugewinnen.

Sara Shahverdi, geschiedene, Motorrad fahrende Ex-Hebamme, ist eine ungewöhnliche Anführerin in ihrem konservativen Dorf im Nordwesten des Iran. Als erste Frau im lokalen Rat will sie den Kreislauf leerer Versprechungen durchbrechen. Unerschrocken setzt sie Reformen durch: Sie stellt Kinderheirat infrage, bringt Mädchen Motorradfahren bei und setzt sich für weiblichen Landbesitz ein. Doch ihre Bemühungen lösen Gegenreaktionen und Vorwürfe aus. Sara muss nicht nur ihre Kritiker konfrontieren, sondern auch ihre eigene Identität hinterfragen.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=Lc0xc4gQKU8&t=1s

Es ist wirklich poetisch, was die Regisseurin, Autorin und Fotografin Jelena Ilić mit ihrem Dokumentarfilm »Eine Krankheit wie ein Gedicht« erschaffen hat. Ein schmerzhaftes Gedicht, das die Beziehung zu ihrem Vater nicht nur in Verse, sondern vor allem in Bilder packt. Ilićs Vater hat eine »drogeninduzierte, chronifizierte schizoaffektive Psychose des manischen Formenkreises, Typ polytox, kein Morphintyp« und sitzt deswegen in der Forensik. Die Filmemacherin wünschte, er würde für immer dort bleiben; keine Gefahr für sich und andere darstellen - besonders nicht für sie. Denn da ist eine Angst in ihr, der sie sich in diesem Film stellt.

Die Kamera hilft ihr, ein bisschen Abstand zum Geschehen zu entwickeln. Und am Anfang geht es auch nur ums reine Dokumentieren, nicht ums Filmemachen. Es entwickelt sich nach und nach aber ein Film in Zusammenarbeit mit ihrem Vater, nicht über ihn. Vater und Tochter tauschen ein Skizzenbuch aus, füllen Seite für Seite. Ilić überträgt diese Formensprache auf den Film und lässt damit tief blicken, ohne immer viel sagen zu müssen. So mischen sich Angst, Überforderung und Wut alsbald mit Nähe und Akzeptanz, nehmen einen immer größeren Raum ein und spiegeln die Ambivalenz in der Vater-Tochter-Beziehung - inner- und außerhalb der forensischen Psychiatrie. Ilić sagt, sie habe keinen Weg gefunden, mit der Krankheit des Vaters umzugehen. „Ich habe nur gelernt, neben ihr herzulaufen, anstatt vor ihr wegzurennen.“ Das ist berührend und preisgekrönt. Beim Neiße Filmfestival im Frühjahr erhielt sie etwa die Auszeichnung für den besten Dokumentarfilm, bei der Filmkunstmesse in Leipzig gab es zuletzt den Publikumspreis.

mana

Er ist erst auf den zweiten Blick wirklich wiederzuerkennen: Tom Cruise als titelgebender „Digger“ entert mit bedenklich schütterem Haar und einem Bauchansatz, der eigentlich eine Wampe ist, die Leinwand. Der (von »Eyes Wide Shut« mal abgesehen) auf Action abonnierte Mime spielt einen reißerischen Ölbaron, der die Menschheit retten soll, nachdem er eine globale Katastrophe ausgelöst hat. Den Auftrag erhält er vom so aufgebrachten wie aufbrausenden US-Präsidenten (John Goodman at his best). Aber Digger ist eher einer, der Chaos auslöst, statt es unter Kontrolle zu bringen. Cruise spielt keinen unerschrockenen Helden, sondern einen größenwahnsinnigen Machtmenschen. Der Star, dessen Körper in »Mission: Impossible« zum Instrument perfekter Selbstbeherrschung geworden ist, demontiert genüsslich den Kult um seine Person. Regie führt Alejandro González Iñárritu, der sich nie auf eine feste Handschrift festlegen lässt. »21 Gramm« und »Babel« erzählen von Zufall, Schuld, Verlust und den Folgen menschlicher Entscheidungen. »Biutiful« konzentriert diese Themen auf einen Einzelnen, »Birdman« macht daraus eine schwarze Komödie über Eitelkeit und Anerkennung, »The Revenant« ein Überlebensdrama. Was sie verbindet, sind Menschen, deren Kontrolle über das eigene Leben zerbricht. »Digger« scheint diesen Gedanken weiterzuführen. Gedreht wurde auf 35-mm-Film im VistaVision-Verfahren, mit Kameramann Emmanuel Lubezki. Besonders ist die Mischung aus schrillen Bildern, Katastrophenfantasie, schwarzer Komödie und persönlicher Hybris: Iñárritu zeigt, dass die mächtigsten Männer der Welt keine Retter, sondern ein Problem sind. Neben Cruise und Goodman spielen Sandra Hüller. Michael Stuhlbarg, Riz Ahmed und Jesse Plemons.

Grit Dora

Auf der diesjährigen Berlinale lief Fernando Eimbckes fünfter Spielfilm im Wettbewerb. Zu schlicht wirkt die Geschichte eines kleinen Jungen, der zusammen mit seinem Vater bei einer anfangs unnahbaren Frau einzieht, auf den ersten Blick. Doch gerade seine leisen Töne, die beiläufige Beobachtung und kleine prägnante Momente machen das leise Drama zu einem sehenswerten Film. Der Leserpreis der Berliner Morgenpost und der Preis der Ökumenischen Jury sprechen dafür.

Olga führt ein streng abgezirkeltes Leben in einem großen Wohnblock in Mexiko-Stadt ohne Freundschaften und Beziehungen. Als sie in einer finanziellen Notlage ein Zimmer untervermieten muss, zieht ein Mann vom Land ein, der seine erkrankte Frau im nahegelegenen Hospital unterstützt. Erst spät bemerkt Olga, dass der Mann nachts seinen 9-jährigen Sohn mit in die Wohnung schmuggelt. So groß ihre Wut sein mag, sie kann sich dem Charme des Jungen nicht entziehen, der nichts unversucht lässt, um zu seiner Mutter ins Krankenhaus zu gelangen. Olgas Leben beginnt sich auf überraschende Weise mit dem ihrer ungebetenen Gäste zu verflechten, ihre sorgsam kontrollierte Welt verwandelt sich. Was als Regelverstoß beginnt, entwickelt sich zu einer der anrührendsten Wohngemeinschaften des Kinojahres. Und seien wir ehrlich - gute Gefühle können wir alle gut gebrauchen.

„Genau darin, in kleinen Begegnungen, beiläufigen Situationen mit Menschen, liegt die größte Qualität. Fernando Eimbcke gelingen über einen lakonischen Ton hinaus auch berührende, prägnante Momente.“ Michael Meyns, programmkino.de

Eva Müller und Isabel Schneider erzählen die Geschichte des Unterhaltungsfernsehens der 90er und früher 00er Jahre erstmals aus Frauenperspektive. Maren Kroymann, Hella von Sinnen, Bettina Böttinger, Gaby Köster und Esther Schweins blicken zurück auf ihr Werk und eine Zeit, in der Frauen im Fernsehen vor allem Beiwerk waren, als Pointen dienten und weiblicher Humor als Quotenkiller galt.

Eine ganze Generation wurde so vor allem durch männliche Unterhalter sozialisiert - durch „Wetten, dass…?“, die „Harald Schmidt Show“ und später „TV total“. Wie hat uns diese Zeit geprägt? Und was haben Humor, Witz und Unterhaltung mit Macht und Gleichberechtigung zu tun? Dieser Film ist eine Zeitreise zurück zu den Lachern der 90er und 00er. „Was haben wir gelacht“ - oder vielleicht doch nicht?

„Unsere Protagonistinnen Maren Kroymann, Hella von Sinnen, Bettina Böttinger, Gaby Köster und Esther Schweins haben - jede auf ihre Weise, auch in kaum bekannten Fernsehmomenten - mehr Sichtbarkeit von Frauen im Unterhaltungsfernsehen erkämpft. Sie waren dabei Autorinnen ihrer eigenen Geschichte, aber auch Betroffene von Sexismus, Häme, Queer- und Frauenfeindlichkeit. Sie kennen sich, schätzen sich, sehen in unserem Film dieselben Archiv-Momente und schauen aus heutiger Perspektive auch kritisch auf sich selbst, ihr Schaffen und das ihrer Kolleginnen.“

In den 80ern kämpfte sich ein kleiner Indie-Slasher-Film an die Spitze der Charts und in die Herzen der Filmliebhaber:innen. Daraufhin gab es mehrere weitere Verfilmungen, allerhand Merch und sogar Actionfiguren. Die Camp Miasma Filme sind Kult. Nun soll die ambitionierte queere Filmemacherin Kris Williams (Hannah Einbinder), die gerade ein hervorragendes Regiedebüt abgeliefert hat, einen neuen Teil der Slasherfilm-Reihe drehen. Sie soll mit dem neuen Teil das Franchise wieder aus der finanziellen Notlage rausholen. Kris will jedoch nicht einfach ein Remake oder einen weiteren Teil machen, sie will etwas ganz Besonderes aus dem Stoff rausholen. Bei der Recherche zu den Camp Miasma Teilen entwickelt Kris eine zunehmende Faszination für das „Final Girl“ Billy Presley (Gillian Anderson) des Originals. Sie schafft es, die mittlerweile zurückgezogen lebende Schauspielerin ausfindig zu machen und trifft sich mit ihr. Ausgerechnet der Originalschauplatz des ersten Camp Miasma Filmes ist die Wahlheimat des ehemaligen Stars. Kris möchte Billy unbedingt für einen Cameo-Auftritt gewinnen. Doch irgendetwas stimmt mit Billy nicht. Sie nennt als Grund, warum sie ausgerechnet im Camp wohnt, dass irgendjemand da sein muss, wenn „Little Death“ (Jack Haven) wieder aufersteht. „Little Death“ ist der Serienkiller in den Camp Miasma Filmen, der als Kopf einfach einen Lüftungsschacht hat. Dass diese Figur nur fiktiv ist und nicht im wahren Leben herumlaufen kann, das scheint Billy nicht zu interessieren. Kris findet sich bald in einem Strudel aus Angst, Lust und Wahnvorstellungen wieder, in dessen Zentrum die mysteriöse Frau ihrer Träume steht.

Regie und Drehbuch von »Teenage Sex and Death at Camp Miasma« stammen von Jane Schoenbrun, die z.B. auch »I saw the TV glow« machte. Der Film ist keine Parodie kultiger Slasherfilme und auch kein billiger Abklatsch, sondern eher eine nuancierte Hommage voller Liebe für das Genre.  

Anne